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EVES Web Magazine
Number Five:
15/11/2008
Interviews with:
Graphic Surgery - Annex CT & Kurz
Intervista a cura di: Bignotti Cesare / EVES Ottobre 2008.
GRAPHIC SURGERY
English text: Graphic Surgery
Ci chiamiamo Gysbert Zijlstra e Erris Huigens, entrambi abbaimo 30 anni. Siamo nati nello stesso mese, ci sono solo 4 giorni di differenza dalle nostre date di nascita. Entrambi viviamo e lavoriamo in Amsterdam, nei Paesi Bassi.
Fin da quando eravamo molto giovani il nostro stile è stato influenzato dal disegno e dall'assemblaggio di collage di linee e forme "geometriche". Si è iniziati a creare Arte & Design ai tempi dell'Accademia d'arte. Entrambi eravamo interessati allo stesso linguaggio visivo, ispirandoci da simili immagini come: graffiti, architettura, arte, e naturalmente la città, questo è il motivo per cui abbiamo cominciato a lavorare insieme. In un primo tempo escusivamente a lavori e progetti scolastici, ma infine, nel 1999, si è iniziato sempre insieme ad affiancare la nostra ricerca alla pittura e al disegno grafico facendo opere per vari clienti.
Nuovi percorsi sono stati presi da quando abbiamo "scoperto" nuove tecniche, come ad esempio la fotografia: Lavoriamo in una camera oscura e facciamo collage con le nostre immagini e textures su un foglio, in modo da manipolare le foto. Dopo questo primo passaggio è venuto il momento dello scanner, e successivamente la fotografia digitale. Combiniamo questi passaggi con l'utilizzo di Software come Photoshop e Illustrator, questo passaggio contemporaneo, ci ha portato verso nuove direzioni. La stampa a schermo: ci ha dato al possibilità di "dipingere con le foto", e di appricare la pittura alla grafica. La foto incisione è una tecnica sulla quale abbiamo iniziato a lavorare di recente, ancora dobbiamo valutarne la sperimentazione. L'interactive Media è una delel cose che ci interessa di più recentemente, perche ci permette di lavorare al fianco di alcuni Programmatori e Interaction Designer, un unione tra Design & Ingegneria informatica. Inoltre, il nostro nuovo stagista lavora con noi sul linguaggio dei media interattivi è difficile spiegare esattamente che cosa si intende con media espressivo, ma speriamo di poterlo mostrare un giorno.
Durante il nostro sviluppo artistico abbaimo ricevuto diverse influenze, è naturale ricevere modifiche lungo il proprio cammino. Comunque le più influenti derivano dall'Arte & Design, si vede attorno per le strade della città, da altri Artisti, dai libri e il mondo intorno a noi è una costante ispirazione. Arte in spazi pubblici, http://www.stick-it.nl, Stencil Revolution, POP Art, sono stati tutti grandi fenomeni di inspirazione per noi, anche se è importante fare emergere che non abbiamo mai voluto essere parte di una particolare scena o sottocultura.
Siamo solo al punto di partenza della nostra "carriera" artistica. Vogliamo lavorare multi-disciplinari sulla grafica e sul linguaggio dell'arte, stampare e applicare le nostre visioni su architettura e mobili, ricreando situazioni e installazioni interattive.
Uno di noi ha lavorato come Signmaker, facciamo Workshop che hanno l'obbiettivo di svolgere un insegnamento in materia di disegno e pittura. Oltre a ciò abbiamo entrambi un paio di anni di esperienza in studi di Design Grafico, che ci hanno formato. Salvo che vogliamo fare il nostro lavoro, invece di lavorare per un padrone.
Il nostro lavoro è adatto a vestire tutte le applicazioni di differenti mezzi di comunicazione. Prima di tutto, abbiamo sempre provato a lavorare con materiali diversi e tecniche per creare le nostre immagini, fare Grandi Pitture - Screenprints - Collage e Wall Paintings, ma adesso ci sentiamo come se dovessimo trovare altri modi per interagire con lo spettatore. Ad esempio c'è finalmente la possibilità di sperimentare con immagini animate e film. Ci interessa creare impianti e Media interattivi.
Dare un messaggio, si tratta di una questione difficile. Non specificamente attraverso la nostra arte, ma più attraverso il nostro modo di vivere. In realtà noi vogliamo semplicemente fare quello che ci sentiamo di fare. Tramite il nostor lavoro non abbiamo mai avuto intenzione di voler dire qualcosa per alle persone.
Tra gli strumenti che utilizziamo ci sono soprattutto molti materiali. Su ciò che è grafico applichiamo chirurgia su tutto. Il nome vi suggerisce che usiamo scalpello, forbici, strumenti per effettuare lavori di grafica per così dire. L'elenco dei materiali è troppo lungo per raccontarlo a parole scritte.
Abbiamo fatto due mostre personali a De Zwarte Hond Architetti (nel 2003 e 2005) a Rotterdam e hanno preso parte a diverse mostre collettive. Per citarne solo alcuni: 'Under Construction', Vlaardingen (organizzata dalla Galerie MAMA), NL (2003) Mostre in Punct, Tilburg, Paesi Bassi (2005 / 2006) 'Intersezioni, Boaz Bruxelles, BE (2006) 'Artbeat', museumnight, Amsterdam, NL (2006) 'Rituale Tendencies'-Wallpainting con Zedz, N8, Amsterdam, NL (2007) 'Beats & gocciola', Galerie L'problema, Parigi, FR (2008) - http://www.lissue.com * Prossimi: Una mostra a Extrabold, Lussemburgo, L (marzo 2009) - http://www2.extrabold.eu
Leggiamo molti libri: Molti libri pubblicati da: Die gestalten Verlag, Thames e Hudson, Laurence King, BRI Actar, Index Book, Rockport. Libri su Arte & Design offcourse. Più occasionali riviste e blog. Ascoltiamo anche molta musica: Jon Kennedy, Flying Lotus, Bonobo, Amon Tobin, Quattro TET, Radiohead e molti molti altri ... Attualmente in riproduzione Wax Tailor e Dubstep vari dischi in somma.
Il quotidiano ha mota influenza sul nostro modo di vivere, in molti modi. Non solo libri, la musica ed il lavoro di altri artisti sono una fonte d'ispirazione, ma ogni giorno la vita stessa è una costante ispirazione.
Pensiamo divese cose sulla Comunicazione Moderna, sul lato positivo vediamo il fatto che si può sparare le foto dal telefono cellulare e inviarle direttamente al tuo computer e sul web, per un comunicatore grafico tutto ciò è folle, nel senso di grandioso. Ma al contempo ha anche aspetti negativi: I cartelloni devono essere per scopi culturali non pubblicitari. La Pubblicità oggi è comunque folle, è assurdo quante volte al giorno essa ti assalga senza fermarsi mai, le persone vengono costantemente bombardate con messaggi e annunci per consumare.Personal Web: http://www.ehgz.nl/
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ANNEX - CT & Kurz / CT & Kurz Summer Tour 2008
Quelli che erano solo dei nomi senza volto presenti su riviste e libri - tutto d'un tratto si materializzano - in qui momenti ti rendi conto che i sacrifici fatti fino a quel momento sono valsi a qualche cosa - è giusto imparare da chi ha più esperienza ed è altrettanto doveroso essere umili nella ricerca quotidiana - senza fatica e senza cuore si rimane nel limbo dei mediocri. CT & KURZ - Holland - France Tour.2008.
CT & Kvrz
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EVES presenta presso la OpenLAb Art Gallery . James Kalinda & Moneyless . Figurativo e geometrico, due stili oposti, lontani gli uni dagli altri, che nonostante le differenze estetiche ed espressive, risultano simili inquanto rinnovatori dei linguaggi visivi trascorsi, proponendo la loro analisi nel contesto pubblico.
Guarda l'alestimento: http://eves-eves.blogspot.com/2010/06/eves-preview-james-kalinda-moneyless.html
James Kalinda . 1981 . Parma . Italy
James Kalinda si esprime per mezzo del disegno figurativo, ispirato alle produzioni murali e ai temi mistici di alcuni tra i primi street artist italiani, James riesce a evolvere il linguaggio stilistico del wall painting grafico tradizionale privo di profondità, per mezzo di una personale rappresentazione illustrativa, caratterizzata da ombre e volumi che conferiscono al soggetto personalità e innovazione.
Moneyless . Teo Pirisi . 1981 . Milano . Lucca
Moneyless interpreta ed evolve il tema dell'astrattismo geoetrico, riproponendolo nello spazio pubblico. Il suo lavoro è contaminato dai linguaggi grafici e teorici dell'attuale corrente post graffiti e dall'analisi delle arti razionaliste grafiche del 900.
All'inaugurazione aperitivo e sonorizazione audio a cura di : Useless Idea / EVES Music.
www.evesmusic.it
Testi & Mostra a cura di . Cesare Bignotti - Artista e studioso del fenomeno delle nuove arti contemporanee / Supporto tecnico . Elena Saccardi - Gallerista d'arte contemporanea. Una mostra a cura di . Elena Saccardi & Bignotti Cesare / Orari . Dal Martedì al Sabato h.15.30 . 19.30 e su appuntamento . c/o Compagnia Unica, (1° Piano) Via San Vincenzo 102/104 r 16121 Genova.
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EVES Preview . 02
L'EVES Preview . 02 si terrà il dal 19 al 21 Agosto persso l'ex centro sportivo di Bardineto, durante e grazie al BCC Festival. Alcuni degli artisti present in mostra: Alexander Binder . 108 . Peio Peev . Alfano . James Kalinda . Moneyless . Useless Idea . David 87 . Grm / New Homes Lost . Igor Okunew.
Alexander Binder . Nei lavori di Alexander Binder emergono diversi elementi di ispirazione; le influenze dei film horror dei primi anni 80 e l’estetica Black Metal sono solo la superficie della sua espressività, andando in profondità risulta che proprio dagli ambienti apparentemente sterili dell’intrattenimento deriva la maggiore ispirazione, quella di natura spontanea, che ha a che fare con il gioco e con la voglia di divertirsi senza troppe pretese di volere apparire, di dimostrare ad ogni costo di fare qualcosa. Stimoli per occupare il tempo e la mente. E’ interessante anche l’aspetto autodidattico, la spontaneità e il fascino nel ricercare l’errore come elemento estetico, l’entusiasmo nel vedere emergere un progetto visivo che per scelta non utilizza nuovi media, ma diversamente, decide di avvalersi di un’estetica poco prodotta. Testo a cura di: Cesare Bignotti
James Kalinda si esprime per mezzo del disegno figurativo, ispirato alle produzioni murali e ai temi mistici di alcuni tra i primi street artist italiani, James riesce a evolvere il linguaggio stilistico del wall painting grafico tradizionale privo di profondità, per mezzo di una personale rappresentazione illustrativa, caratterizzata da ombre e volumi che conferiscono al soggetto personalità e innovazione. Testo a cura di: Cesare Bignotti
Alfano . I lavori presentati sono realizzati con matite e carboncino. Apparentemente li si potrebbe interpretare come schizzi, bozze. In realtà sono parte di una ricerca sulla spontaneità del gesto che l’artista porta avanti ormai da anni. L'immaginario è quello romantico/onirico dei ricordi, che spesso si fonde con l'assurdo e il grottesco. Questa ricerca sulla spontaneità è parte di altri lavori maggiormente legati al contesto del trip mentale. L'utilizzo frequente del foglio A4 è legato all' estrema accessibilità e "versatilità" di questo formato, la dimensione ideale per una ricerca dinamica, fugace e spontanea.
Useless Idea. Multiforme creativo dal quale emerge un originale e complicata ricerca estetico formale e teorica che ha alla base il continuo e inarrestabile rinnovamento di se stessa, nei suoi lavori il figurativo e l'astratto si fondono in un'unica cosa, elementi ingrado di dare forma a uno stile grafico di impatto, forte e unico. Ultimamente i suoi lavori accusano un influenza tecnologica e fotografica, contaminata in modo spontaneo e continuativo per mezzo di audio e video.
Igor Okunew is a photographer and artist, member of two collectives from Ukraine - THE EPS and Childrens Cruzade. Lives and works in Ukraine. Le sue fotografie documentano esperienze di un gruppo di giovani adolescenti russi, facenti parte della nuova generazione ucraina. Nelle sue fotografie è possibile percepire la vitalità delle sottoculture, come il punk, i graffiti, il metal e i party, diverse personalità che sembrano riuscire a convivere in una sola generazione.
108 è un artista che ha deciso di abbandonare l'aspetto estetico, inteso come ricerca stilistica definendolo "futile" preferendo concentrarsi sul soggetto minimale e sul messaggio che intaressa descrivere, il male. Testo a cura di: Cesare Bignotti
Moneyless . interpreta ed evolve il tema dell'astrattismo geoetrico, riproponendolo nello spazio pubblico. Il suo lavoro è contaminato dai linguaggi grafici e teorici dell'attuale corrente post graffiti e dall'analisi delle arti razionaliste grafiche del 900. Testo a cura di: Cesare Bignotti
Peio Peev . Disegni e schizzi sono una raccolta di suggestioni e visioni, trasferite su carta con un'immediatezza che congela in un disegno l'attimo in cui il corpo cede e mostra la propria deformità. Ogni incontro, ogni persona, attori di un film, giocattoli o eroi a fumetti sono dall'artista scorticati, indagati e mostrati su un foglio nel loro aspetto mostruoso, ridicolo, inquietante. La deformità è l'interazione emozionale con l'altro, senza filtri. Peio ricostruisce la realtà e i ricordi mescolando tratti somatici, situazioni, personaggi, sovrapponendo azioni e ruoli, che spiazza. Offre un cosmorama del suo interfacciarsi col mondo, che ricostruisce secondo il proprio sguardo. Con il suo sguardo vediamo personaggi e situazioni in cui il tempo è sospeso, così come sono sospesi ogni giudizio e ogni interpretazione. Resta solo lo scorticamento di quella patina lucidante che nell'odierno confondersi sempre maggiore di reale e virtuale, rende tutto finzione. Peio coglie ognuno nel momento di distrazione dal proprio ruolo e con un gesto rende la distrazione eterna. Testo a cura di: Emanuela de Notariis
New Homes Lost è una progetto il cui obiettivo è l'esplorazione e la documentazione fotografica dei luoghi abandonati, il soggeto principale della documentazione è corpo nel contesto, l'uomo che invade lo spazio non designato. Grim autore delle fotografie, prende in esame luoghi che hanno apparentemente perso le loro funzioni, osservando ciò che ne rimane e documentando come un archeologo moderno la loro funzione in degrado attribuita nel contesto attuale.
David 87 è definibile come un writer non convenzionale, i suoi lavori sono estranei d'interesse per la maggiorparte delle persone e degli stessi writer, ma non per questo significa che essi siano brutti, si tratta semplicemente di ricerca unita al divertimento. I mezzi espressivi di un vriter spesso passano in secondo piano al lavoro eseguito su muro. mentre in realtà, all'interno si cela un mondo nuovo, dove, in questo caso, la fotografia diventa elemento suggestivo, in grado di illustrarci una realtà nuova, differente da qualla estena alla fotografia, ogni foto, divine così un elemento in grado di esprimerci il carattere di chi stà al dilà dell'obiettivo.
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Credo di scoprire i miei bisogni e i mezzi che definiscono com’è o come dovrebbe essere il mio lavoro. Ci sono stati numerosi momenti e ce ne saranno altri, dove sento che il mio lavoro prende una nuova direzione.
Sono appassionato di opere grafiche russe, polacche e ceche; che ho scoperto attraverso i lavori dei fratelli Quay, che sono in realtà americani, ma pur sempre grandissimi artisti! I miei autori preferiti sono Andrzej Klimowski, Jan Lenica, Jiri Trnka, Jan Svankmajer, Franciszek Starowieyski, Yuri Norstein, Waldemar Swierzy, Ladislaw Starewitch e molti altri, tutti estremamente importanti ed influenti per il mio lavoro.
Occasionalmente produco musica e scrivo. Sono anche un pessimo ballerino.
Ho fatto due esposizioni ad Atene ed una con uno spazio condiviso con D. Sotiropoulos. La prima nel 2006 al Vavel’s art space dentro alla fumetteria Vavel. Le altre due nel 2007 e 2008 presso la Gazon Rouge Gallery. Ho anche partecipato a numerosi eventi collettivi, sia in Grecia che all’estero.
Non saprei definire il termine arte, dunque non sono sicuro di poterlo usare, per descriverti che cosa è per me l'arte. Di certo c’è un bisogno di fare cose che assomigliano alla realtà, ricreare le strutture che esistono negli ambienti simbolici e materiali. Per quanto mi riguarda sento il bisogno di assecondare o di proiettare le mie necessità psicologiche in oggetti fatti da me. Non è una terapia, è più qualcosa come costruire degli specchi, qualcosa che riflette la mia personalità.
Nel mio lavoro non penso ci sia un messaggio, aldilà, ovviamente di quello dell’amore. Mi ispirano altri artisti, pittori, scultori; le foto recuperate in rete o nei giornali; vecchie illustrazioni, fumetti, copertine di dischi.
La parte migliore durante la lavorazione di un mio disegno è quando dico: “Lasciamolo da parte per un pò” e quando ritorni a guardarlo il lavoro è finito. Suona come una cosa da pigri e lo è.
Iniziare un lavoro è la parte più terribile. Vorrei sempre dare l’impressione di aver fatto le cose molto velocemente e in modo ottimale. Sono fissato sull’iniziare un disegno, perchè ci sono tre possibilità: la prima è mantenere le parti iniziali pure e fresche ed aggiungere altre cose separatamente; la seconda è finire tutto in una volta, ma capita raramente e la terza e più frequente è che rovino il lavoro, lo cancello e ricomincio da capo sulla stessa superficie. E’ contemporaneamente una cosa buona e cattiva. Un dipinto, anche se cancellato, lascia sempre una traccia, anche se pensi di aver rimosso tutto; se sei concentrato puoi ricavarne qualcosa, se non lo sei resti paralizzato e non procedi. Ho visto immagini venire fuori proprio da questa seconda possibilità.
Mi piace di più lavorare in studio, anche i lavori incollati per strada sono realizzati in studio: Preferisco mostrare i lavori per strada, anche se ultimamente non capita spesso; il contesto in cui le opere sono presentate è importante, è un punto di vista estetico-politico ed influenza la funzionalità del lavoro; è la cosa che mi interessa di più assieme alla forma.
C’è stato un momento in cui dovevo in qualche modo creare un elemento per equilibrare le figure. Attraverso questa relazione spesso si creava una struttura geometrica; quasi come cancellare una figura e ridisegnarla, ridefinirla attraverso la geometria. Per me, ha a che fare con le strutture simboliche, in opposizione a quelle materiali; oltre che con la memoria e la fragilità. Ho smesso di usare queste forme dopo la mostra Bones Are Tight.
Cerco spesso di ricreare un’impressione. Il battito di un occhio e come si trasforma attraverso la malinconia. C’è qualcosa di estatico, ma non lo considero inserito in un contesto metafisico.
Credo ci sia una stato intermediario tra “prima” e “dopo”, tra coscienza ed incoscienza e mi interessa, o, più precisamente, trovo questo stato “rivelatorio”. Tendo a comportarmi in base alle mie reazioni nervose durante lo sviluppo del lavoro. Non c’è nessuno processo ortologico che mi guida in queste situazioni; ma trovo questa via molto fruttuosa. Non c’è però un intento consapevole che si riferisca a qualche preciso studio psicologico.
Non penso alla morte nei miei dipinti. Credo che abbiano a che vedere con la fragilità, i limiti, i confini della materia e della natura. Ok, sembra proprio che abbia a che fare con la morte, ma per me si tratta di concentrarsi sui sentimenti menzionati prima. Odio la passività. E’ lo stato di conflitto tra l’immagine della realtà e la realtà stessa, oltre che la consapevolezza della materia, ciò che cerco. Come la maggior parte delle persone, sono terrorizzato quando penso alla morte.
Come già detto, occasionalmente copongo musica elettronica, ho un progetto che chiamo Rooms In Negative. Non la definirei musica elettronica, anche se prodotto principalmente con il mio portatile. Metto in loop, estendo e manipolo suoni pre registrati; è più vicino ai droni, piuttosto che alla musica vera e propria. Queste atmosfere hanno molto da spartire coi miei dipinti; sono due media differenti, utilizzati dalla stessa persona. Con i suoni tendo però ad essere più astratto, tendo realizzare atmosfere espanse, cosa che non succede nei disegni e nei dipinti dove uso linee narrative e forme. Forse con la musica soddisfo la mia voglia di creare ambientazioni.
Quando ero un adolescente suonavo in alcune band. Una band Death Metal a 14 anni, e molte altre band dalla vita brevissima; poi gli amici con cui suonavo si sono concentrati sulla musica ed io sui disegni. Dopo quasi dieci anni di interruzione però, non potevo più parlare di musica con gli amici musicisti, nè tecnicamente nè esteticamente; così ho iniziato a produrre col mio computer. Ho recentemente comprato una nuova chitarra elettrica però, non si sa mai quindi cosa potrà succedere.
Tutta la musica è importante, al momento ascolto molte librerie di registrazioni di Piero Umiliani ed Egisto Machi.
Vedo il mio lavoro applicabile in tipografia. Penso anche spesso a realizzare delle sculture ma non lo faccio mai.
Per quanto riguarda le forme di comunicazione moderne e il loro uso nella società, penso che, in termini di informazione è estremamente massiccia, ed è qualcosa di buono; se sei concentrato su ciò che ti interessa. Ricevere e dare informazioni è una forma di comunicazione ma alla fine è anche il contrario. Come nell' “arte” anche la “comunicazione” è solo un termine, una situazione, che alle volte si presenta ed altre no.
Ultimamente non leggo molto, ma spesso leggo saggi di arte, estetica e politica, quel che leggo mi influenza, in modi che non mi sono chiari; non posso utilizzare le mie conoscenze in modo cosciente, come se fossero un’arma, è un meccanismo differente che bisogna attivare.
E’ una questione di tempo. Mi piacciono anche le antologie di poesia e quando ero più giovane amavo la letteratura classica. Spero che tutte le letture demistificatrici che ho fatto ultimamente mi influenzino!
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Ho 37 anni, ma mi ritengo bloccata in un periodo tardo-adolescenziale.
Sono nata a Kansas City ma sono cresciuta nella periferia di Washington DC in Virginia. Vivo a Los Angeles, qui da circa dieci anni.
Negli ultimi anni mi sono concentrata sul disegno; ma sono interessata a molte altre forme artistiche tra cui video, foto, scultura e film.
Per la realizzazione dei miei lavori, utilizzo matite, recentemente sono passata ai portamine dopo molti anni passati tentando di mantenere una punta sottile alle matite di legno; ora uso entrambe ma penso che le matite a mina 03 siano le migliori per le mie linee.
Ho iniziato a disegnare durante la scuola media; più o meno a dodici anni, era l’unico modo di esprirmi e nel quale trovavo grande soddisfazioni. Mi aiutava a gestire le mie emozioni e a definire la mia personalità.
Sono nato nella notte di Halloween del 1976, nei pressi della Foresta Nera, una zona rurale nella Germania sud-occidentale.
Ho iniziato i miei primi passi con la fotografia a 14 anni, quando i miei genitori mi diedero una macchina fotografica economica. Non c’è mai stato un momento speciale nella mia produzione - è stata più o meno un’evoluzione. Si cresce e si assorbono numerose influenze, per ogni singola idea si compie un passo in avanti nello sviluppo del proprio stile e del proprio messaggio.
Non ci sono molte cose da fare nella mia città, quindi ho speso molto tempo al videonoleggio. Il consumo elevatissimo di ogni genere di horror e thriller mi ha fornito una base per la mia libreria visuale personale. Ancora oggi amo gli horror dei primi anni ottanta: Texas Chainsaw Massacre, Halloween o Evil Dead (La Casa). La maggior parte dei miei lavori è influenzato dall’estetica e dai simboli di questo genere cinematografico.
Molte delle lenti che uso per le mie macchine fotografiche sono autocostruite, ricavate da giocattoli ottici, plastica e nastro isolante; le uso per creare l’effetto di diffusione dei miei lavori. Poi uso strumenti più semplici, un corpo macchina Olympus ed un vecchio pc con Photoshop. Evitando l’utilizzo del fotoritocco, per fortuna non necessito di apparecchiature troppo sofisticate.
Se lo dovessi chiedere al mio consulente bancario, quanto spendo solitamente per creare le apparecchiature che utilizzo per la realizzazione delle mie opere, mi risponderebbe così: Troppo! Sono un one-man-show e gli oggetti e le maschere che vorrei utilizzare per realizzare le mie idee a volte sono decisamente costose.
Ho questo genere di immagini nella mia testa, ogni giorno, fino a dove riesco ad arrivare con i miei ricordi; penso che condividerle con altre persone sia una specie di psicoterapia per me.
Il mio lavoro, nella sua completezza è un’interpretazione moderna del “memento mori” medievale. Come alcuni dipinti degli artisti fiamminghi ci spingono a ricordare la nostra mortalità, oltre che motivarci e spingerci a pensare a ciò che potrebbe esserci dopo la vita ed ai poteri spirituali che ci influenzano.
I miei lavori sono adatti a qualsiasi tipo di media visivo, ho partecipato a mostre online, proiezioni, foto incorniciate ed altre cose più grandi; anche se, alla fine preferisco la classica foto stampata.
Ho un’attitudine ambigua verso la comunicazione moderna. Se da un lato ci mette in condizione di stare in contatto con chiunque, ovunque e sempre, d’altra parte c’è chi diventa drogato di informazioni, sviluppa una soglia d’attenzione di tre secondi al massimo e non è capace di stare qualche giorno senza connessione internet e le ultime notizie.
All’inizio della mia cosidetta carriera artistica ho speso tutte le mie energie per le pubblicazioni, ma ho avuto modo di partecipare ad alcune grandi esposizioni, per esempio “Means To An End” alla galleria Heaven di Chicago (2008) con Melanie Schiff, Jason Lazarus ed altri grandi fotografi; e “I Don’t Believe In Miracles” presso Spacewomb a New York (2009), mostra curata da Alana Celii.
Da adolescente ho divorato i libri di Aleister Crowley ed ancora oggi ho una forte passione per i libri che trattano fenomeni occulti o paranormali. Nel mio scaffale dei dischi si trova uno strano mix di stili differenti; specialmente black metal di band quali Emperor, Nortt o i primi lavori dei Venom e musica elettronica di Aphex Twin o Kraftwerk. Per quel che riguarda le influenze è facile rispondere: basta guardare i miei lavori, alcune persone mi hanno già consigliato di venderli come immagini per le cover degli album metal.
Quando avevo circa vent’anni ho iniziato un progetto di musica elettronica ispirata ad Autechre e Squarepusher, è stata un’esperienza divertente e abbiamo suonato in alcune feste illegali. Non abbiamo mai avuto ambizioni più grandi di quella, così abbiamo smesso dopo qualche anno.
In passato ho utilizzato drum machines analogiche e sintetizzatori; principalmente strumenti dei primi anni 80, Roland TB303, TR909, Jx3P, un vecchio campionatore ed un sequencer analogico. L’intero complesso di strumenti era collegato via MIDI e questo mi faceva sentire un pò come agli albori della musica elettronica, ogni volta il suono cambiava leggermente siccome ogni pezzo dell’equipaggiamento doveva essere ricollegato. Oggi concentro le mie ambizioni musicali erano nella creazione di colonne sonore per i miei video. Ho venduto tutti i miei vecchi strumenti, eccetto il mio adorato Roland Jx3P e sono passato ad un software di produzione musicale come Ableton Live, il più intuitivo programma musicale dal mio punto di vista. Posso usare solo il mio laptop ed è molto più facile comporre colonne sonore con questo software.
Ho creato la maggior parte dei miei pezzi di notte, a casa ed in solitudine. Creare un pezzo in studio è, per me, un’esperienza molto diversa dal suonarlo dal vivo. A casa non ho nessuna pressione da parte di chi si aspetta una fantastica esibizione, nessuno ha pagato per assistere ad uno spettacolo; si ha tutto il tempo di sperimentare, combinare differenti suoni e campioni e per fare ciò che si vuole; per questo motivo apprezzo molto di più lavorare per conto mio nello studio.
Nella maggior parte dei miei lavori cerco di combinare digitale ed analogico; per esempio nel mio video “Pluton/Calabi Yau” ho usato un vecchio registratore vocale degli anni 80 per ottenere samples e voci ed Ableton Live mi ha aiutato ad arrangiare i diversi suoni sul mio computer.
Web: www.alexanderbinder.de ]]>
Koolmorf Widesen - Leonardo Barbadoro (Firenze, 9 dicembre 1987), è uno degli autori italiani più giovani e sperimentali di musica elettronica, in Italia. Il suo stile è un'unione tra vari generi come IDM, Acid, Ambient e Breakcore. Nel 2007 esce la sua prima release omonima per l'etichetta romana ECG. Nel maggio 2008 esce il promo del suo nuovo album "Melodies Fork Now" in uscita ad Febbraio 2009 per EVES.
SMK è un duo costituito da un pianista jazz / Saimonk e da un compositore di musica elettronica Smider. Tutto ha ha inizio nel 2007 quando accidentalmente iniziò un progetto basato sull' improvvisazione del pianoforte su basi sintetiche di tamburo modificate, creando un mix tra IDM e Post Jazz. Smider è un ex batterista che attualmente studia la sintesi tra questi suoni e audio digitale. E 'stato responsabile di una corretta progettazione per vari videoclip, attualmente lavora in tempo reale applicazioni audio con un software personalizzato il S.noisePlug. Saimonk è un pianista jazz classico, il suo stile emerge nell'improvvisazione, da anni si dedica allo studio dello strumento e alla ricerca armonica.
Useless Idea - La sua è una "musica umoristica”, dagli innesti rumorosi con suoni estetici e campioni originali. Il suo sound è conferma di ricerca e sviluppo, definito da critici e Dj produttori come un suono intelligente. Il suo live è al confine tra performance e musica dal vivo, un interessante esibizione ottenuta tramite la sonorizzazione di video disegnati, eseguiti e diretti dallo stesso Use.
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EVES Vision
Skriepa. Olanda. All'età di 11 Collin ha cominciato a dèpingere per strada, anni più tardi ha frequentato l'accademia di belle arti, di Goes nei Paesi Bassi, dove ha appreso le antiche tecniche di pittura e la teoria per dipingere con la vernice. Nel 1996 si è laureato come miglior studente ed è stato accettato per un 4 anni di pittura e grafica a St.Lucas in Boxtel, Paesi Bassi. Ha studiato l'illustrazione per 4 anni e si è laureato con un titolo di bachelor nel 2004. Durante il periodo presso l'Accademia Collin e un paio di amici, hanno avviato una galleria per i giovani artisti. Dopo la laurea si è trasferito a Maastricht, il Nethelands e ha iniziato un nuovo progetto di galleria d'arte per il contemporaneo, situata nel centro città, Galerie Groen lLicht. Attualmente lavora come gallerista, illustratore e pittore. Collin Dal 2004 collabora a vari progetti nazionali ed internazionali, raggiungendo l'obbiettivo di sapere misciare assieme sia la tecnica pittorica accademica, che l'avvanguardia generaa dall'espressività della strada.
Ericailcane. Italia. Ericailcane e' un ex-writer, attivo da anni a Bologna, ma è anche il nome di un Collettivo, il cui lavoro è l'insieme di svariati metodi espressivi: wall painting, video, incisioni, disegni, in tutti i linguaggi, i soggetti comuni che vengono rappresenti sono un mondo multiforme nel quale sono visibili le possibili influenze da La fattoria degli animali di George Orwell, dove personaggi dalle sembianze animali, vivono e raccontano per immagini una silenziosa fiaba dagli oscuri retroscena.
Web: www.ericailcane.org
Acorn. Canada. Nelle sue illustrazioni Acorn dimostra una grandissima attenzione per il dettaglio, accompagnato da un grande amore per le atmosfere magiche di Hayao Miyazaki e una più generale influenza avuta dallo sterminato mondo dei manga.Nel piccolissimo spazio di un foglio da disegno Acorn crea un mondo cucito addosso ai suoi personaggi, sottoforma di decine di minuziosi, coloratissimi particolari, a sua volta, queste ricchissime figure sono inserite in spazi perlopiù naturali, che rendono il tutto rappresentazioni cariche di un forte, mistico, naturalismo.
Web: www.flickr.com/photos/acornsgrow
Useless Idea. Italia. Il suo interesse per l’arte emerge nel 1993, quando a tredici anni fu respinto dalla scena per le sue modalità espressive lontane dal purismo Hip Hop. Oggi continua questo percorso in modo spontaneo allontanandosi da ogni classificazione canonica e alimentando più che mai il bisogno di uno sfogo espressivo senza compromessi. In Useless Idea, emerge un originale e complicata ricerca estetico formale che ha alla base il continuo e inarrestabile rinnovamento di se stessa, nei suoi lavori il figurativo e l'astratto si fondono in un'unica cosa, elementi in grado di dare forma a uno stile grafico di impatto, forte e unico. Le sue opere sono state esposte in alcune dei principali centri d’arte contemporanea internazionale, tra i più significativi: Shiodomeitalia Crative Center, Shangai Art Museum, Triennale Milano, Pompidou Center in Paris.
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Web: http://www.uselessidea.blogspot.com/
Shannon Keller. Stati Uniti. Shannon Keller fa parte di una numerosa cerchia di disegnatori americani, accomunati da una sola parola: “weird”(bizzarro). E’ uno stile che nel folto mondo sotterraneo statunitense abbraccia svariati campi dell’arte, dalla musica fino alle arti visive. Shannon Keller reinterpreta con un tratto ricco e dettagliato le figure umane, le deforma senza renderle mostruose, le rende più graziose, in qualche modo attraenti e allo stesso tempo repellenti, è questo il grande segreto della weird art, è un’enigma indecifrabile e anche per questo risulta estremamente intrigante.
Web: http://www.flickr.com/shannonkeller
Basik It was 1977, while both disco music and punk ruled the world, I started my own life's journey during a -hot as usual- italian summer. Since childhood I spent much more time on paper than playing soccer as most of other italian kids did; this could be weird in some ways (for any italian "mr. Smith"), but who cares? Painting fascinated me and I just wanted to do it.
When I was 12 I saw for the first time some strange paintings on a wall of my city: that was the time I met and discovered Graffiti (or much more correctly Writing), one of the most important things I've dealt with in my whole life. Being a writer has become massively for about ten years -and more- my way, it's been the reason why I passed hours and hours sketching and many nights outside on mission, getting frozen by cold weather.
2001: time to push things forward. Feeling limited about letters and spraycans, I put my whole attention to characters, evolving that figures I often painted next to my pieces. So, I began a research about lines, shapes and solid aspects of the colours, using human bodies as a message of my concepts. Now I can focus on play with colours' matter, which is powered by the large range of signs I can create as I put a different touch and sensibility on works. Human lines become idealized, renewed and unreal, strokes become like bones of the figure, matter turns into flesh.
I love to put my works on useless and broken items, giving them a new dimension and a new dignity. The work itself gets stronger by the eroded support.
Web: http://www.basikinstinkt.com
Detrocboi. Italia. Detrocboi è un giovane illustratore, nel suo lavoro compare un insieme variopinto di linguaggi e influenze del disegno, i quali sono tati assorbiti in anni di esperienze con l'obbiettivo finale di creare un proprio stile. Il mondo di Zeta Zero Zap, è quello che egli esprime nelle sue "illustrazioni", una rappresentazione ideale della realtà, nella quale il modernariato POP e il costume etnicho, si mescolano a personaggi e creature di fantasia, con il risultato di uno stile unico, New POP.
Web: http://www.flickr.com/detrocboi
LA LISTA DEGLI ARTISTI NON E' ANCORA COMPLETA - VERRA' AGGIORNATA QUANDO SI DEFINIRA' UNA DATA CON LA FONDAZIONE PALAZZO DUCALE.
Poichè molti artisti e sponsor, anche se interessati non hanno potuto dare disponibilità immediata senza sapere una data precisa e la durata dell'evento in questione.]]>
Sono un ragazzo ho 25 anni, provengo da un piccolo paesino della Polonia. Considero il mio lavoro pittura, all'aperto e al chiuso.
Non posso dire chiaramente se quando ho iniziato a fare arte, vi sia stato un momento particolare in cui si sentivo come un nuovo percorso, ho sempre disegnato e dipinto sin da quando posso ricordarlo. Un giorno c'è stata una rottura in quel che facevo, questo successe una sola volta un pò di tempo fà, da quel giorno qualcosa è cambiato nel mio modo di esprimermi ed ora spero che sia sempre così.
Mi sono laureato alla scuola d'arte e durante il mio sviluppo artitico ho ricevuto molte influenze artistiche, ma la principale influenza è una costante osservazione. Credo che sia impossibile non essere influenzati da ciò che ci circonda.
Vedo il mio lavoro applicato a diversi media. La questione non è capire quali, ma come. Purtroppo non ho avuto ancora la possibilità e la voglia di affiancare altre discipline artistiche al mio lavoro, ma sono interessato a comprare e di imparare a suonare l'armonica. Ho quasi dimenticato, che come adolescente ho osato produrre e registrare musica rap.
Nel mio lavoro non vi è alcuna trasmissione di contenuto. Ci sono alcune opere che hanno un messaggio specifico, ma principalmente, non voglio dire nulla di più di quello che uno spettatore può leggere attraverso i suoi occhi. Per la realizzazione delle mie opere utilizzo principalmente, vernici, carta e plastilina.
Ho fatto un progetto comune insieme a ZBK, che è stato esposto a Praga e Londra in alcune mostre importanti e alcune collettive, tra cui quella internazionale di composizione a Wroclaw, in Polonia.
Non leggo molto. Per quanto riguarda la musica, racentemente ne ascolto di varia, come: Quinn Walker, Arthur Russell, David Bowie...Ciò che ho letto e ascoltato ha influenzato la mia produione artistica. Sono un fan della navigazione veloce su Internet, il flusso di informazioni veloci si adatta molto bene alla mia persona.
Web: JOE.83
USELESS IDEA
Puntualizzo che non sono un writer conforme agli standard di ciò che viene oggi inteso come writing, pur essendo cosciente di questo, mi sento writer a tutti gli effetti. Sono 16 anni che segno il territorio con la mia tag, ovunque vada. Ho sempre studiato le mie lettere, con l’intento di evolverle, possiedo righe di quaderni con mirati studi, alfabeti, prospettive, forme, idee, disegni. Le mie lettere apparentemente possono sembrare semplici, ma al contrario, sono continui perfezionamenti associati a differenti tipologie di stile e studio di font.
Ci sono le lettere a Diamante, (eseguite a Spray), lettere a Origami, (preferibilmente eseguite a Pennello), poi ci sono le lettere a Raggio Laser o a Costellazione, (che eseguo con scotch, vernice e spray Fluorescenti), mentre l’ultimo studio riguarda le lettere a Shadow Painting, eseguite a rullo per il font e a spray per l’ombra.
Una delle caratteristiche più importanti del mio rapporto con le lettere è l’atteggiamento nei confronti dell’azione, come l’istintività, che è ben visibile nei font a Diamante eseguiti solo in out line, (preferibilmente privi di riempimento).
La ricerca del segno è dovuta al forte interesse nei confronti dei primi tentativi di writing degli anni 60 – 70.
Mi ha sempre affascinato l’idea che i primi writers non avessero idea di ciò che stessero facendo, agli inizi non esisteva uno stile “canonico”, non essendoci regole al di fuori dello scrivere il proprio nome, i writers dell’epoca sperimentavano, ingrandirono le dimensioni del proprio nome tag, aggiungendo idee, come Spessori, Pass, Loop, 3D. Era una ricerca, una vera ricerca grafica dettata dall’insistenza e dall’istinto di chi sapeva osare. Con questi obiettivi ho iniziato a scrivere in modo personale, una ricerca individuale che oggettivamente non voleva essere bella, il suo obiettivo era ed è quello di evolversi pezzo dopo pezzo. Non ho mai dipinto con l’intento di fare qualcosa che potesse piacere a qualcuno. Anche nelle tag ho adottato la stessa attenzione, nonostante queste cambiassero negli anni, la forma e la grafia era possibile ricondurle alla stessa persona.
Un altro aspetto del mio lavoro, riconducibile al writing primordiale è la ricerca del tratto con lo spray, utilizzo spray vecchi e originali come quelli da carrozzeria, con tappini vintage, con i quali non puoi regolare facilmente la pressione e il tratto dello spruzzo, se vuoi dare un certo tipo di “estetica” devi farlo con gli stessi mezzi. Possiedo spray da carrozzeria di ogni tipo e marca, i miei preferiti sono le Very Well, violentissime sia nel tratto che nell’odore di vernice da carrozzeria. Con quegli spray eseguivi roba veramente cruda, cruda ma vera.
Web: Destroytheuseless
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Ho 24 anni sono di Guayaquil, Ecuador. Ho sentito di fare arte quando avevo 17 anni, iniziando a dipingere e disegnare in prevneza ritratti, con riferimenti all'immagine di famiglia, aggiungendo a questi una componente di dramma, in modo da renderli con sembianze di ossessione.
Percepisco il pensiero della pittura come un mezzo per comunicare cose che non ho potuto articolare ed esprimere in diverso modo. Nel 2005, mi sentivo come se le cose e i miei pensieri stessero uscendo, come succede nella vita, anche nell'arte arrivi a un punto in qui devi fare "carriera", devi crescere. Ho ricevuto attenzione grazie al Web, Internet e offre una buona visualizzazione per free-lance. Da poco si è conclusa la mia prima mostra personale, qui in Guayaquil, sento questo come un evento, sarà questa mostra a rendere le cose ufficiali, dopo anni che sono stato invitato a partecipare a spettacoli sparsi in tutto il mondo, dopo avere pubblicato su numerevoli artbooks, ed esposizioni on-line... vedo questa mostra come un debutto, non come qualcosa di privato e segreto, come di solito accade.
Sono consapevole di avere ricevuto innumerevoli influenze, la maggior parte delle quali, le ho ricevute da amici artisti on-line, Internet mi ha permesso di verificare i loro progressi e condividere qualcosa con loro, questa è la chiave, influenze inconsce.
La mia produzione artistica fino ad ora è limitata a medie dimensioni, in prevalenza su carta, poiché funziona bene sulla carta, mi piacerebbe lavorare su grandi superfici prendendo vantaggio dai materiali stessi. Quando disegno sono molto prolifico.
Ho unito la musica alla fotografia, come nella pittura, sono autodidatta sia nell'uno che nell'altra. Sono interessato a lavorare con tutti i supporti visivi, a volte uso la fonetica per migliorare l'espressione di ciò che faccio. La scultura è un altro media espressivo, lavoro con fili e porcellana, pittura digitale, progetto immagini in movimento su un muro e passo dopo passo, le registro, ma devo ancora capire come presentare questo lavoro alle gallerie.
Quello che cerco di comunicare è quasi sempre un tentativo di provare e vedere chi sono, la creazione di un personale punto di vista su ogni argomento, la vita. Non sono interessato a rendere le cose chiare o dire qualcosa di rilevante, non ho niente da dimostrare, ci sono molte possibilità e modi di commentare un dato argomento, inoltre, la mia pittura ha a che fare con un essere umano. creatura. per l'anno prossimo vorrei introdurre qualche assurdo, strano tipo di umorismo nel mio lavoro, che tratti la fonetica e il visivo, penso che manchi questo in quello che ho prodotto fino ad ora.
Per dipingere utilizzo diversi materiali: acquerelli, vernici a olio, carta, tela, pennelli, marcatori solubili in acqua , gouache bianco, pastelli morbidi, inchiostri, matite colorate, carbone, le penne e la graffite sono i materiali più utilizzati. Penso di mischiare sia il digitale che l'analogico per diversi mezzi di comunicazione, ultimamente sto cercando di fare uscire questo da ciò che faccio.
Ho preso parte a diverse mostre, per la maggior parte si trattava di collettive, ho appena avuto una esposizione in Portland, Oregon alla Ear Gallery, a Hong Kong si è svolta la promozione di un artbook inglese circa la ritrattistica contemporanea. Ho contribuito donando due pezzi per un progetto riguardante la scrittura e la legge, ho condiviso una mostra con un artista tedesco, Estella Mare, a Monaco di Baviera svolta dalla galleria Culver City, ho partecipato a mostre in California a New York sulla ritrattistica contemporanea. Ho ricevuto un invito a partecipare ad un evento internazionale sulla libertà di espressione come uno diritto umano che si è svolto a Toronto, in Canada e un altro lavoro per Amnesty International.
Raramente leggo libri, guardo per lo più film e ascolto musica. La mia attenzione è interessata a tutto ciò che ha un sogno dentro, osservo tutto come se si fosse mezzi-svegli, con tranquillità e un approccio rivoluzionario, ripetitivo e giocoso, ultimamente non ho ascoltato musica che mi piaccia particolarmente, esiste molta musica ignara che si scontra con la mia percezione a causa del suo cattivo gusto, tra le cose che ascolto voglio che coinvoglino anche i pensieri delle persone e i loro stili di vita. A volte immagino il mio approccio alle cose come un antropologo.
Cose come recensioni di alcuni filmati e registrazioni possono stimolare in me idee. Ma parlando con alcuni gruppi di creativi è emerso che in molti usano principalmente la musica per mantenere vivo il disegnare o il dipingere.
La comunicazione moderna, per il più delle volte fà emergere un abuso di essa, all'interno della società.
Web: Gubia Neurasthenic
Intervista a cura di: Bignotti Cesare / EVES Ottobre 2008. ]]>
Andy Gilmore
Mi chiamo Andy Gilmore, ho 34 anni, sono di Rochester, New York. Da ragazzo ho assistito mio padre mentre disegnava il ritratto di un cavallo eseguito a memoria, è stato sorprendente come egli potesse creare questa illusione di forma e luce, senza nessuna linea di riferimento, fisica o fotografica. Quel momento mi scosse a tal punto da dare il via al disegno come esperienza di mano, occhio e mente, la mia attenzione si soffermò su questi aspetti.
Il disegno mi ha portato a lavorare come un artista macchinoso, oppure come tecnico di stampa e Foto ritocco, mentre l’illustrazione si presta a commissioni occasionali. Mi sono addestrato al lavoro, venendo con il tempo a conoscere gli strumenti del mestiere e della progettazione, le idee e le applicazioni sviluppate in un corpo di lavoro che ora occupa il mio tempo di giorno, mentre il disegno occupa il mio tempo di notte.
Lo sviluppo artistico del mio lavoro ha avuto un influenza artistica in un’estate, mi trovavo sulla montagna Adirondack, è possibile considerare a mia produzione artistica come esperienza di disegno, per vestire il design nella musica, questo è ciò a cui si presta la mia produzione.
Anni fa, ho rilasciato una serie di CD-R ", e una manciata di tracce di chitarra strumentali, sull’etichetta carbonrecords, Web: www.carbonrecords.com - Presto pubblicheranno una nuova registrazione nel corso del prossimo anno. La cosa strana è che mi esercito in rare occasioni.
Ho anche svolto il ruolo di curatore grazie all'arte e alla musica per lo spazio A \ V uno spazio espositivo chiuso nella fiera della città di Rochester. Operare con diversi media ha reso il mio lavoro in direzioni che non sono mai riuscito ad'anticipate. Mi piacerebbe molto progettrare soluzioni in architettura, per il design dell'ufficio, lavorare con il metallo e con i tessuti.
Tra gli strumenti e materiali che utilizzo: Penne a Sfera, Matite colorate, Carta, Photoshop e Illustrator. Ho esposto il mio lavoro in Gallerie a Rochester e LA. Leggo Non-Fiction in primo luogo e ascolto molto. Senza la comunicazione tramite Web, non avrei vivere come faccio oggi, specialmente senza e-mail.
Web: Andy Gilmore
Intervista a cura di: Bignotti Cesare / EVES Ottobre 2008. ]]>
Eglisgh Text: Stak
Sono nato nel 1972 nella periferia ovest di Parigi. Quando ero un bambino disegnavo molto, alla fine degli anni 80 ho iniziato a scrivere il mio nome sui muri della città e nel 1995 ho avuto la mia prima mostra.
Sicuramente ho ricevuto delle influenze specifiche nel corso della mia crescita artistica, ma posso dire che la più grande influenza l’ho ricevuta dal luogo in cui sono nato, mi considero come un puro prodotto della città, e il mio lavoro ha le sue radici in questo.Considero la mia produzione artistica Ironica e politica
Oltre alle esperienze artistiche legate a un linguaggio puramente visivo, sono anche un cuoco. Mi considero un artista, faccio mostre… Se mi si chiede se sono in grado di customizzare oggetti per case di moda la mia risposta è solo una “No, grazie”.
Nel mio lavoro non c’è un solo messaggio, ce ne sono molti, Per capire meglio bisogna semplicemente leggerli, nel mio lavoro gioco con i codici ed i clichè della cultura popolare. Uso i linguaggi ed i codici delle città e delle loro province, cambiandoli o modificando il loro significato cosicché possa essere capito da un pubblico più ampio. La mia riflessione è basata essenzialmente sulla riabilitazione degli spessi poco considerati elementi che compongono la città. Il fascino che subisco dalle province è diventato una passione essenziale per il mio lavoro quotidiano; la città è la musa, la spinta per la mia ispirazione artistica. Provo a decifrare un mondo screditato, attraverso semplici ed ironici meccanismi che poi faccio confluire nelle gallerie d’arte.
Introducendo il linguaggio popolare nel “cubo bianco”, uso i tanti clichè della provincia, gioco con la verità e distorco gli elementi della cultura pop. Mi burlo di me stesso; mentre gli altri portano la cravatta e cercano di migliorare le proprie buone maniere a tavola, io sono orgoglioso di essere un chav al 38% e lo affermo forte e chiaro. Il mio lavoro è più ironico che serio, confermo il mio orgoglio dell'appartenere all’universo concreto delle province, al confine tra glam e pop.
I materiali che usano dipendono dal messaggio che voglio dare, posso usare mezzi economici, come vernici con brillantini, o fiamme d’accendino, così come mezzi più costosi come luci al neon, non ho regole. Ho fatto moltissime Mostre, sia in Francia che all’estero, sono anche rappresentato da una giovane galleria piena di energie la A.L.I.C.E. di Bruxelles
Leggo principalmente riviste e libri sull’arte contemporanea. Per la musica ascolto musica gabber, coldwave, flamenco.Tempo fa la musica hardcore olandese era una grande influenza per me. La comunicazione moderna sembra il modo migliore per essere famoso in poco tempo. Non c’è bisogno nemmeno di uscire di casa. Gli artisti che mi piacciono sono troppi per menzionarli tutti, ma loro sanno chi sono.
Web: olivierkostathefaine
New Homes Lost
Eglisgh Text: New Homes Lost
Il nostro è un tentativo di spiegare il mondo che ci circonda e invade, ma non con l’intento di dare delle risposte, dato che credo non ce ne siano.
E’ più come una collezione di frammenti, di pezzi di un puzzle che non verrà mai ultimato. Non sarai mai in grado di vedere dietro le facciate del sistema in cui sei intrappolato, anche se involontariamente ne fai parte; ci vuole moltissimo lavoro intellettuale per averne una conoscenza più ampia, per trovare alcune parti delle spiegazioni. Credo sia necessario coinvolgere il corpo come un’estensione di se stessi che invade e sonda questo mondo, devi avere fiducia della tua consapevolezza sia fisica che psicologica.
In un certo senso credo che New Homes Lost sia questo, il risultato fisico del desidero di spazi dove sia possibile creare qualcosa di nuovo; spazi dove vedi come il sistema, che credi sia invincibile, in realtà potrebbe non esserlo. Bisogna solo trovare i punti giusti dove puoi fargli perdere l’equilibrio, per vedere la costruzione di questo mondo attraverso il suo disfacimento.
Guardare davvero da vicino gli edifici crollare potrebbe essere l’unico modo per vedere come e perché sono stati costruiti e scoprire quanto sia stato inutile in relazione a quello che vorremmo davvero. In delle piccole crepe potrebbe essere possibile scoprire quanto è essenziale trovare uno spazio vuoto, da riempire con l’immagine di un’utopia sempre sfocata e in evoluzione; e anche rendersi conto della necessità di negare ed opporsi allo status quo. New Home Lost potrebbe essere un archivio; quello che vedi sul sito è una parte del materiale raccolto attraverso gli anni, non sono sicuro che sia il modo giusto di mostrare queste cose, è un sito semi pubblico dato che attraverso i motori di ricerca non è accessibile.
Oltre alle foto, ho molto materiale video e penso di poterne fare un libro con DVD per aprire gli archivi a chi è interessato, ma non sono in grado di raccogliere i soldi per questa release e temo che non riuscirei a distribuirla nel modo giusto. Ci sono alcuni punti che non mi convincono, ho sentito molte descrizioni a riguardo, reazioni di varie persone e questo mi toglie un po’ di sicurezza, anche perché il fenomeno delle esplorazioni urbane ha degli aspetti che non sempre condivido e sarei infastidito se ne venissi assimilato, inoltre trovo la fotografia artistica dei luoghi abbandonati noiosa nella maggior parte dei casi.
Quanti luoghi esplorate ogni anno? Come venite a conoscenza dei luoghi che esplorate?
Dipende da diverse cose, come:
a) la mia condizione (che è abbastanza instabile), influiscono la salute, il tempo a disposizione, la motivazione.
b) avere qualcuno che venga con me (non sempre, mi piace anche andare solo) nei luoghi pericolosi o quando non ho voglia di parlare da solo; in più mi piace che ci siano legami e fiducia in chi ti accompagna in queste situazioni.
c) se viaggio (non lo faccio abbastanza), odio la città in cui vivo, ma la lascio poche volte, il mio raggio è limitato usando la bici come principale mezzo di trasporto
d) la situazione metereologica, è principalmente un problema nei luoghi sotterranei, ma anche per gli spostamenti in bici.
Non conto i posti che ho esplorato, ma credo varino tra i 10 e i 30 ogni anno, dò un’occhiata ai posti passando per caso quando scopro che sono disabitati, altre volte entro in posti che mi interessano anche se c’è gente dentro, altre volte sono gli amici a segnalarmi i luoghi, io sono contro l’uso dei satelliti per generare le mappe e quindi non uso mai risorse del genere.
New Home Lost è un gruppo variabile formato da me e i miei amici.
Non credi che esplorare luoghi abbandonati possa essere molto pericoloso?
Lo è o può esserlo sicuramente, ho avuto due pesanti avvelenamenti da amianto finora.
Sei mai finito nei guai durante le tue esplorazioni?
Siccome amo praticare l’arte della “furtività” e dello “svanire” non sono mai stato fermato da polizia o guardie di sicurezza, anche se spesso ho dovuto nascondermi o scappare. L’esperienza più esaltante è stata quando sono salito sul tetto di un complesso di uffici attraverso i condotti della ventilazione; mentre ero sul tetto godendomi la vista una macchina della sicurezza stava venendo verso l’edificio, le guardie sono corse fuori e sono entrate, salendo verso di me, sono riuscito a scendere attraverso i condotti mentre stavano percorrendo le scale.
Quali sono le tue sensazioni quando entri in un luogo abbandonato e mentre lo esplori?
Prima di tutto sono molto curioso, qualche volta spaventato dato che temo di finire nei guai, in ogni caso i miei sensi sono attivi fino all’estremo; dopo un po’ inizio a sentirmi male perché il posto in cui mi trovo potrebbe essere distrutto presto, salgono la rabbia e la frustrazione per il “mondo Esterno” che si insinua ovunque e questo mi fa impazzire. Quel che rimane sono solo memorie dentro di me e sulle mie mani, oltre alle foto o ai video.
Qual è il posto più strano che hai visitato? Ne hai delle immagini da condividere con noi?
Non so decidere, perché tutti i posti che ho visitato fanno parte della nostra vita quotidiana in qualche modo. I posti interessanti sono quelli dove non avresti mai dovuto essere, ad esempio il sistema fognario con le fragole che galleggiavano su un mucchio di escrementi (http://42loop.de:8888/less-public/1135), i tunnel che collegano le varie sezioni di un ospedale costruito durante la crisi economica, la stanza per le autopsie di un laboratorio medico con i suoi armadietti frigoriferi per contenere feti o mutazioni, l’interno dei condotti di ventilazione ricoperti da spessi strati di ragnatele e polvere (http://42loop.de:8888/less-public/798), le camere di combustione delle centrali elettriche, più grandi di qualsiasi stanza dove ho vissuto (http://42loop.de:8888/less-public/791), gli hangar sotterranei, enormi e bui, che custodivano gli animali macellati quando ancora non esitevano le celle frigorifere (http://42loop.de:8888/less-public/1131), i saloni bruciati del mercato con tutta la merce in cenere (http://42loop.de:8888/less-public/109), i padiglioni abbandonati dell’Expo2000, incredibile esempio di architettura usa e getta (http://42loop.de:8888/less-public/1053)
In alcune immagini ho notato delle composizioni simili ad assemblaggi dadaisti, realizzati con oggetti trovati sul luogo, è una tua pratica usuale o capita raramente?
In New Homes non amo l’idea di lasciare segni, come tag, o rifiuti, ma qualche volta assemblo le cose che trovo per rappresentare cosa sento. L’immagine di cui parli, quella con la pecora morta è stato fatto in un antico forte ad Alessandria, ed è composto da 4 elementi, la scritta “famiglia” fatta col carbone, un ibrido tra una pecora quasi mummificata e un passeggino arrugginito, una gabbia per uccelli vuota appesa ad un chiodo della parete e una colonna bianca con una radice secca rivolta verso l’alto. Appena finito ho dovuto scappare perché un cane da guardia mi aveva trovato, non so se avrei disfatto tutto, quindi potrebbe essere ancora intero. In generale mi piace poca arte fatta nei luoghi abbandonati e specialmente non amo le tag o i graffiti, che appartengono alla strada.
So che Grimm è anche un artista di graffiti, cosa puoi dirci del tuo stile, del tuo bisogno di dipingere? Da dove arriva, hai avuto qualche influenza?
Non entrerò nella discussione di cosa è graffiti e cosa no, ero un writer quando ero un ragazzino, ma ho smesso di credere nell’hip hop quando ho capito che non ero una persona di colore e che quindi quel che facevo io era un’invenzione dell’industria pop.
Sono stato nei boschi per un po’ e poi mi sono trasferito in una grande città, lì ho sentito il bisogno di ricominciare a fare writing. Non semplicemente scrivendo il mio nome, ma come un tentativo di liberare la mia rabbia, provocata dal luogo in cui mi trovavo, ho iniziato numerose campagne (http://42loop.de:8888/less-public/675), e dopo un po’ le cose che facevo erano state adottate da tutti, si chiamava street art e la amavano tutti, ho cercato di far capire che non si tratta solo di un nome, una tag, un logo, ma che era una forma di agitazione, che al contrario della propaganda dovrebbe purificare dall’ideologia collettiva e lasciare spazio al pensiero individuale.
Ho partecipato a varie mostre e pubblicazioni su libri, ad un certo punto mi sentivo davvero frustrato, ho compreso che pochi si erano resi conto del significato di quel che facevo e che molti altri lo facevano solo per fare carriera, soldi o per essere popolari. C’è solo un writer che ammiro davvero, lo fa da sempre ed è stato in carcere per anni, dato che non smetteva di fare writing ogni notte, si evolve sempre ed ora scrive i nomi di altri writer e delle crew in modo semplicissimo, con spray nero, trovo sia un’idea geniale e quindi ho iniziato ad imitarlo.
Hai anche un progetto musicale, la tua musica suona apparentemente caotica e rumorosa, ho pensato che fosse connessa a New Homes Lost, come se fosse un corto circuito con la calma apparente dei luoghi abbandonati, oppure un contrasto con essa, la rappresentazione della violenza del nostro mondo, quello al di fuori dei luoghi abbandonati, puoi dirci qualcosa in più? Registri mai i suoni dei luoghi che visiti per usarli nella tua musica?
Tutto ciò che faccio è collegato, i miei progetti audio vengono dalla stessa fonte di tutto il resto, alcune registrazioni usate per TOTSTELLEN (http://telenautik.de/grimm/totstellen) sono state fatte in luoghi trovati durante le mie esplorazioni. Molto spesso il concept di alcune tracce o dell’intera release è basato sulle registrazioni di una costruzione, per esempio la parte acustica del progetto TUNNEL BRUECKE, che è stato registrato interamente nella struttura di un ponte stradale. Siccome i suoni che uso sono tutti registrati sul luogo non c’è da meravigliarsi che siano legati a New Homes Lost.
Non sono d’accordo quando dici che la mia musica suona rumorosa e caotica, perché è anche molto calma e strutturata talvolta, dipende da cosa avevo in mente o dai risultati dei miei esperimenti acustici che ho fatto per generare i suoni.
Di certo non mi importa delle strutture musicali, che ci sono state imposte fin dalla nascita, ma ogni tanto appaiono solo per affondare nel rumore di uno schianto, che non è altro che un’altra struttura musicale che risuona nelle nostre orecchie da anni. Non oso dichiarare cosa è musica e cosa no, durante gli anni passati ho definito TOTSTELLEN come ambineti sonori basati su field recordings concreti, pulsanti come industrie che lavorano continuamente e calmi come i luoghi abbandonati che spariscono nello sviluppo accelerato delle città. La percezione egocentrica nello spazio urbano e sociale.
Web: New home lost
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108
Dal 1999 circa lavoro come 108. Sono nato e vivo in una città di quasi 100.000 anime del Piemonte chiamata Alessandria, grigia e sempre più morta. Non c’è il mare qui, solo vecchie fabbriche chiuse e la cosa più bella è la nebbia. Per alcuni anni mi sono spostato a Milano, ma è stato anche peggio. Ora vivo di nuovo ad Alessandria, in una vecchia casa del centro, in cui ho anche il mio piccolo laboratorio dove dipingo, costruisco cose e suono...Negli ultimi anni, per gran parte del tempo, sono stato in giro per il mondo come Artista.
Ho studiato Design al Politecnico di Milano, pensavo che non avrei mai finito, detestavo quel posto e ciò che studiavo. Purtroppo andare avanti per strade sbagliate fa parte del mio percorso. Dopo 9 anni, il giorno del solstizio d’inverno, sono riuscito a chiudere quel periodo deprimente. Ora odio il 90% del Design. Il mio processo creativo emerge di solito quando cammino per strada, mi piace camminare, ma se è possibile, preferisco farlo nei boschi, in collina o in montagna.
Penso troppo e ho letto parecchi libri di svariati argomenti. Le idee migliori provengono dai sogni, soprattutto incubi, visioni molto veloci dove non ho il tempo di capire realmente ciò che "vedo". Queste immagini surreali mi danno la spinta iniziale per disegnare, a volte traccio automaticamente, altre volte scrivo ciò che ho “visto” per non dimenticarlo, ma solo dopo giorni, addirittura mesi, forse, trovo una buona forma da raffigurare nel disegno, di solito molto semplice con significati interni a me conosciuti o sconosciuti, così facendo inizio a lavorare su tale forma, idea.
Negli ultimi anni sono stato invitato a svariati eventi internazionali all’interno di Gallerie e Musei, svariate esperienze che hanno avuto un loro inizio concreto a Parigi nel 2004 fino a portarmi in mostra alla Biennale a Venezia nel 2007 e nel 2008 a Los Angeles. A volte è stato interessante partecipare a queste esposizioni ufficiali, altre volte per niente.
Sono sempre stato un soggetto dal carattere frustrato, non sono una persona positiva e quello che faccio di solito mi aiuta a esternare quello che ho dentro. Ho momenti di gioia totale e periodi di buio completo. Quando mi vengono fatte richieste particolari, non inclini al mio carattere, ne soffro, sono una persona molto sensibile. Con il tempo è successo che anche il mio lavoro è iniziato a essere frustrante, proprio perchè ha cominciato a prendere le sembianze di un "lavoro", per evitare l'appiattimento, ho cercato di tagliare tutti i compromessi tra arte e lavoro, limitandomi e a fare solo quello che voglio. Non mi piace lavorare con le Gallerie, da loro non ho mai ricevuto un soldo, forse morirò povero, pazienza. C'è chi pensa che la mia arte sia molto difficile da capire, di fatti essa viene recepita da anni come uno dei più estremi lavori di “post-graffiti”, sono orgoglioso di questo. Credo che cose come la frustrazione e l'angoscia siano parte integrante del mio lavoro, forse addirittura la sua ispirazione stessa.
Negli ultimi 8-9 anni ho sempre lavorato in luoghi per lo più sconosciuti, prenndo ispirazione da lavori di altri artisti, ma cercando di mantenete un impronta mia andando dove solo io volevo e dove nessuno sembra essere ancora stato. Questa è la cosa più difficile, perchè è molto complicato perfezionare qualcosa di nuovo e inaspettato, per questo motivo ho deciso di mettere la tecnica in secondo piano, prediligendo la sperimentazione. A volte mi capita di osservare miei lavori di alcuni anni fa, ai miei occhi appaiono grezzi e incompleti, ma a prescindere da ciò, sono quasi sempre soddisfatto di ciò che vedo. Lavorando in questo modo si hanno solo soddisfazioni personali, purtroppo, sarebbe sicuramente molto più facile emergere coprando l’ultimo numero di Juxtapoze - Magazine di Street Culture Americano - copiare qualche lavoro di qualche mediocre artista, anche male, per avere un riscontro in Italia. Questo, non fa per me.
Negli ultimi mesi ho avuto la fissazione di una forma ovale nera. Una forma sbilanciata verso il basso, pesante, collegata al numero 3, al cerchio, alla ruota e a tutti i suoi significati, una forma che è diretta conseguenza del triangolo nero - altra forma che ho utilizzato in più lavori -Ogni volta c’è qualche piccola variazione. La realtà è che quando scopro una forma che per me è quasi “perfetta” trovo soddisfazione a disegnarla e a perfezionarla fino a quando non ne trovo un’altra. Dipingo solo per me, i miei lavori, anche quelli pubblici non hanno alcuna valenza sociale positiva. Sono un individualista. Realizzo i miei lavori in luoghi pubblici perchè mi piace, trovo che habbiano molta più energia. Ovviamente lavorando all’aperto faccio comunicazione e in un certo senso anche politica, ma dato che penso che la maggior parte della gente sia troppo stupida, non mi interessa realizzare lavori semplici facilmente comprensibili da tutti. Non coloro i muri per rendere la città meno grigia è una battaglia persa a cui non sono interessato, perciò dipingo tutto di nero.
Preferisco realizzare i miei lavori velocemente. Il tempo più importante è quello che spendo a pensare e ad'aspettare che le idee si presentino da sole. Non ho mai avuto simpatia per i gran lavoratori, i secchioni e gli sgobboni, di solito la vita di questa gente è vuota e poco interessante, come i loro lavori. Preferisco la roba grezza e spontanea. Le dimensioni sono un’altra fregatura. Ora tutti si sono messi a dipingere su grandi superfici, anche a me è capitato molte volte. Ma è ovvio che lo stesso disegno ingrandito ha tutto un altro impatto, trovo molto più difficile realizzare un bel segno di pochi centimetri con un solo colore.
Provo stima per molti artisti dell’Europa contemporanea, persino per qualche asiatico. Non sono interessato al baraccone americano. In Italia mi piace il lavoro di AIX - Aris - lo trovo raffinato e spirituale, Dem con cui collaboro spesso è uno dei pochi a fare figurativo che mi emoziona per davvero, naturalmente mi piacccino molto i lavori degli altri OK, la Crew di cui faccio parte.
Per "altri OK" intendo personaggi come Peio o Pira666, direi che è scontato nominarli in quanto sono cresciuto con loro e ci siamo ispirati luno con l'altro, non solo artisticamente, troppo profondamente per poterlo spiegare a parole. E' impossibile al momento nominare tutti gli OK poichè sono molti e sparsi in tutta Europa; come Diry, che risiede a Berlino, oppure Fiat alle isole Svalbard, oppure Punto, che sta a New York, altri sono in Cina.
Il gruppo OK si formò nel 1999 dall'unione della PRC con gli AKS, l'intento era quello di formare una crew dai risvolti "esoterici", formata da gente simpatica con l'hobby delle pitture verticali e con un piede fuori dal mondo reale.
Il lato "grafico" è solo uno degli aspetti del mio lavoro. Ci sono produzioni tridimensionali che sono legate a un'aspetto visuale moto più concettuale, ultimamente stò lavorando su alcuni video, ma è tutto in fase di sperimentazione, uno degli aspetti più conosciuti assieme a quello visivo è la ricerca "sonora".
Ho un Background Punk Hardcore ( ancora oggi suono in un gruppo HC ) ma come nei graffiti a finire degli anni '90 ho incominciato a interessarmi a cose più strane e "organiche". A partire dal 1999 ho realizzato alcune cassette e alcuni CDr in tirature ultra limitate. Questa serie di lavori, vengono firmati con il nome di LARVA. Il Progetto Larva, si esprime attraverso un noise puro composto da strati di progressivi di rumore e drones astratti, fino ad arrivare a lavori di ambient elettronici.
Mi piace ricreare atmosfere cupe ed evocative, senza l'idea di una vera e propria canzone, lavorare con la vernicie o con il suono, per me è uguale. Ho un progetto Dark Ambient parallelo, che condivido con un amico chiamato CORPOPARASSITA. Ascolto di tutto ma preferisco lavorare con uno stile di suoni molto aperti alla sperimentazione, un aspetto che considero autentico ed europeo.
Web: http://www.108nero.com/
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